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Julien-Nicolas RIVART (1802-1867) - Exceptionnel coffre à bijoux à décor de marqueterie de porcelaine provenant de la collection d’Elsa Schiaparelli

Ce grand coffre à bijoux, où la décoration raffinée d'incrustation de porcelaine contraste avec le bois noirci, porte la signature de Julien-Nicolas Rivart , inventeur du procédé de la marqueterie de porcelaine. Celui-ci a breveté sa technique innovante et maîtrisée de lui seul en 1849, ce qui lui a ouvert les portes des plus prestigieuses commandes, dont celles du couple impérial, Napoléon III et Eugénie . La sobriété du coffret, bordé de liserés noirs et ors, est seulement rompue par des petits sabots en bronze doré figurant des coquilles et rinceaux empruntés au vocabulaire Louis XV. L'intérieur, tout aussi beau, a le ton chaleureux du placage de bois de rose. La délicatesse et la rareté de cet objet ont été reconnues par la femme de goût que fut Elsa Schiaparelli puisqu'il fut en la possession de cette grande figure de la mode et du Paris des années 1930, qui en fît son coffre à bijoux. Elsa Schiaparelli, née en 1890 au Palais Corsini de Rome, fut une figure de proue de la haute couture entre 1930 et 1950. Amie des surréalistes dans les années 1920, elle promouvra toujours l'avant-gardisme et la fantaisie, mais ce coffret est le témoin de sa sensibilité personnelle à d'autres esthétiques et sa réceptivité à la poésie des choses. Peut-être avait-elle également reconnu dans les roses du couvercle sa couleur fétiche, le « Rose Shoking ». La décoration de fleurs, campanules bleues et blanches, marguerites jaunes, roses et jasmins, est ici d'une extrême finesse. Il s'agit d'incrustations de porcelaine, et de résine peinte pour les rinceaux les plus fins, une technique arrivée à sa perfection en ces dernières années de la carrière de Rivart . L'adresse gravée sur l'intérieur, 26 Boulevard Baumarchais, est en effet celle de son dernier atelier, de 1860 à sa mort en 1867. Sa réputation s'est établie en grande partie pour la concurrence que représente sa nouvelle technique d'incrustation avec celle de la mosaïque florentine de pierres dures. Le comte de Nieuwerkerke compare en effet sa technique à la pietra dura dans une lettre du 30 mars 1857. Il exploite ici toute la force de la comparaison, en faisant ressortir sa porcelaine lumineuse sur un fond noir profond. La porcelaine a en effet l'avantage de permettre un découpage plus minutieux, et donc des détails très fins dont la couleur ressort admirablement. Mais surtout, c'est un décor peint qu'accueillent ainsi les panneaux de bois, permettant de magnifiques nuances et jeux de lumières. Le couvercle du coffret est décoré de roses et de jasmins, fleurs de la romance par excellence, tandis que les côtés sont parsemés de fleurs des champs, campanules et marguerites, qui évoquent l'innocence et la coquetterie. Les contrastes de couleurs accentuent la luminosité de ces compositions florales, ainsi le rose profond rend d'autant plus vibrant le vert d'eau des feuilles de jasmin et l'orangé des marguerites ravive le bleu des campanules. La précision des décorations florales de Rivart lui avait valu déjà en 1852 une médaille décernée par la Société nationale d'horticulture. Ici, nous pouvons en effet admirer le travail d'un pinceau illusionniste qui a su garder la fraîcheur et la légèreté de son sujet. Ces fleurs immortalisées dans le kaolin ne pouvaient trouver support plus adapté que la porcelaine pour ce luxueux accessoire de beauté.

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Eugène SOLEAU - Lustre aux masques Beshimi

Lustre japonisant en bronze ciselé et doré à quatre lumières, figurant trois masques Beshimi inspirés du théâtre japonais Nô et de trois éventails, doublés de plaques de pâte de verre chenillées vertes, orangées et violettes, éventails animés à la base d‘une tarentule, d'un hippocampe et d‘une libellule, rameaux fleuris de cerisiers animant l'ensemble et quatre caches ampoules en cristal. Cordelettes supérieures nouées et cache-bélière formé de rubans. Signatures de cachets gravé sur le manche d’un éventail "E. SOLEAU" et "PARIS". Il est probable qu'Eugène Soleau a tiré son inspiration du sculpteur Emmanuel Fremiet (1824-1910) pour ce lustre. On retrouve la composition des masques de Beshimi sur un modèle de lustre créé par Fremiet et par l'architecte Emile Vaudremer (1829-1914) pour l'Hôtel Dervillé maintenant dans la collection permanente du Musée d'Orsay (OAO 1651). Le lustre de Fremiet est composé d'un boa entrelacé autour de la tige se terminant avec un masque de Beshimi. Bibliographie Alastair Duncan, "The Paris Salons, 1895-1914, Volume V : Objets d‘art", Antique Collectors' Club, Woodbridge, 1999, modèle à rapprocher de celui reproduit p. 501. Nous proposons un lustre identique, pouvant former paire, signé "E. SOLEAU", dont les plaques de verre colorées sont rose, verte et orangée.

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Grand buffet à décor Néo-Troubadour en noyer sculpté avec bas-reliefs en bronze signés de Ferdinand Barbedienne

Ce grand buffet de style Néo-Renaissance arbore un riche décor sculpté d'inspiration Troubadour. Réalisé en bois de noyer sculpté vers 1880, ce buffet est le fruit d'un travail de sculpture particulièrement soigné et recherché. La partie basse du buffet est composée de quatre portes, celles des extrémités étant sculptées de cartouches et chimères en très haut relief. Les portes centrales sont ornées de bas-reliefs en bronze doré réalisés d'après les sculptures de la Fontaine des Innocents de Jean Goujon (XVIè siècle) et signées par le bronzier Ferdinand Barbedienne. La partie haute de ce buffet est composé d'une partie en crédence avec des grotesques sculptés en ronde-bosse. Au centre, deux portes sont sculptées en très haut-relief d'un fou du Roi avec son rapace et d'un gentilhomme vêtu à la mode du XVè siècle. Le répertoire iconographique, avec chimères, grotesques, cartouches et personnages médiévaux donne à ce buffet un caractère Néo-Troubadour, inspiré par les formes du style Renaissance.

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Vitrine de présentation d'inspiration extrême-orientale, de forme hexagonale

Belle vitrine de présentation japonisante, réalisée à la fin du XIXe siècle. Dans la partie basse, chaque côté est orné de panneaux de forme ovale incrustés de nacre. Les incrustations de nacre du Tonkin sont caractéristiques du mobilier dit "japonisant" et sont les témoins d'une pratique tout à fait courante au XIXè siècle : le remploi. Ces panneaux incrustés ont été réalisés en Extrême-Orient afin d'orner des meubles. Importés en France, ces panneaux furent remployés par les ébénistes parisiens du tournant du siècle afin d'orner leurs propres réalisations. L'asymétrie de ce meuble est l'une des marques de fabrique du mobilier sinisant et japonisant de la fin du XIXè siècle. Ce meuble d'inspiration extrême-orientale est ainsi tout à fait représentatif de la période connue sous le nom de "Japonisme", qui se déploie en Occident dans la seconde moitié du XIXè siècle, notamment sous l'impulsion des Expositions Universelles. De forme hexagonale, cette vitrine est conçue comme pièce de milieu servant à exposer objets précieux et œuvres d'art.

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Femme à l'amphore, statue en fonte de fer à patine bronze par la fonderie Durenne, XIXè siècle

La base est signée "A. Durenne Paris". On retrouve le modèle de cette femme à l'amphore dans le catalogue de la fonderie Durenne de 1868.

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Belle pièce de boiserie en boit peint à décor néo-classique d’époque Louis XVI

Cette belle pièce de boiserie se compose d’éléments d’époque Louis XVI sur une structure en sapin dont certains éléments ont été posés sur des châssis plus récents du début du XXe siècle.Elle présente un décor panneauté peint en blanc encadré par des guirlandes de feuilles d'olivier marqué par des éléments centraux composés de feuilles d'acanthe et couronne de fleurs. Un des panneaux acceuille un décor sculpté caractéristique du style Louis XVI, il s'agit de la représentation d'une gaine sur laquelle est posée une cassolette, le tout orné de couronnes de fleurs. Le trumeau est surmonté d'un décor présentant les attributs de la musique encadrés de branches de laurier et la a partie supérieure est soulignée d'une corniche de denticules.

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Charles-Guillaume DIEHL, Paire de sellettes en bois et bronze, vers 1870

Cette paire de sellettes tripode en bois laqué noir et nombreux ornements de bronze finement ciselés a été réalisée par l'ébéniste Charles Guillaume Diehl (1811-1885) au cours des années 1870. Les sellettes sont composées d'un petit plateau entouré d'un décor dentelé posé sur trois pieds mouvementés. Ces derniers soulignés de nombreux ornements en bronze doré dont des pattes de lion sur leurs extrémités basses, sont reliés par une entretoise. Trois fauves en bronze doré retiennent le plateau, ils sont chacun posés sur un dé de bois avec ornements de bronze sur les côtés et à l'intérieur - dont des rosettes - qui retiennent une toupie en bois tourné finie par une pointe en bronze. Au niveau de l'entretoise, on retrouve des ornements de bronze dont trois toupies retenant chacune un anneau et des mascarons de lion entre chaque. Au centre de l'entretoise l'ébéniste a rajouté une pyramide en bois elle aussi ornée de bronze. La base reliant les trois pieds présente des ornements de bronze doré à chacune de ses extrémités ainsi qu'en son centre une pomme de pin. Formé à la tabletterie, l’ébéniste Charles Guillaume Diehl (1811-1885) se spécialise dans la création de petits meubles en bois rares décorés de bronzes raffinés d’un luxe inouï. Dans les années 1860, Diehl se met à créer des meubles dans un genre plus personnel, employant un vocabulaire ornemental inspiré de l’Antiquité grecque et égyptienne et présentant une grammaire décorative aux limites du fantastique, comme ici avec les sphinx hybrides. Il participe notamment aux Expositions Universelles de 1867, de 1873, où il obtient une médaille de progrès, et de Paris en 1878, où il est classé hors concours du fait de ses succès passés. Le style de l’ébéniste, à ses débuts spécialisé dans les meubles inspirés du XVIIIe siècle plaqués d'essences de bois précieux ou dans le goût de marqueterie Boulle, évolue dans les années 1860. En effet, à partir de ces années, Charles Diehl crée des meubles dans un genre plus personnel qui emploi un vocabulaire ornemental inspiré de l’Antiquité grecque et égyptienne, mêlant ainsi le néo-grec et le néo-médiéval dans grammaire décorative aux limites du fantastique. Pour l'Exposition Universelle de 1867, il collabore ainsi avec des artistes renommés et reconnus pour leur imagination, le sculpteur Emmanuel Frémiet (1824-1910) et le dessinateur et ornemaniste Jean Brandely (actif entre 1867 et 1873). Il obtient ainsi lors de l'évènement une médaille d'argent pour une série de coffrets dont un de style néo-renaissance en ébène avec des bronzes et des bas-reliefs d'argent oxydé présentant des salamandres et un autre marbre bleu orné de bronzes dorés acheté par Napoléon III pour sa cousine la princesse Mathilde. Il y remporta aussi une médaille de bronze qu'il refusa pour trois meubles : une grande table, une bibliothèque de style étrusque ainsi que le médailler conservé au musée d'Orsay à Paris. Ainsi, en raison d'analogies stylistiques avec certaines œuvres d'Emmanuel Frémiet, il semblerait que la rencontre entre les deux artistes, qui a par la suite donné lieu à des collaborations, soit à l'origine de l'évolution stylistique de Charles Diehl donnant naissance à une création artistique spécifique, particulièrement reconnaissable au sein de l'ébénisterie parisienne de la seconde moitié du XIXe siècle.

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Paire de doubles portes double face de style Régence ornées de rosaces

Ces deux portes à deux vantaux de style Régence ont été réalisées à la fin du XIXe siècle. Elles sont ornées sur les deux faces d'un beau décor panneauté encadrant au centre des rosaces fleuries agrémentées de feuilles d'acanthes. Les poignées présentent également un beau décor finement ciselé rappelant le style rocaille.

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Gaston de PONTALBA - Ensemble de huit chapiteaux composites et de bases de pilastres en bronze doré, 1853

Cet ensemble de huit chapiteaux composites et de bases de pilastres en bronze doré a été réalisé par Gaston de Pontalba en 1853, comme l’indique la signature sur l’un des chapiteaux. Ils proviendraient d’un des salons de l’actuelle Ambassade des États-Unis en France alors l’hôtel de Pontalba, construit à l’initiative de la mère de Gaston de Pontalba, la baronne Micaela Almonester de Pontalba (1795-1874) entre 1842 et 1855.

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Porte simple à miroirs

Cette porte simple datant de la fin du XIXe siècle est dotée d'un ensemble de miroirs sur une face, tandis que la face arrière présente un décor panneauté. Elle est pourvue d'une belle poignée ornée d'un décor ciselé.

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FONDERIE DU VAL D’OSNE, Statues en fonte de la déesse Cérès et de la nymphe Pomone d’après Mathurin MOREAU

Ces deux statues en fonte représentant la déesse romaine Cérès et la nymphe Pomone, sont l’œuvre du sculpteur Mathurin Moreau (1822-1912) pour la fonderie du Val d’Osne. Cette fonderie d'art a été créée en 1835 par Jean Pierre Victor André, inventeur de la fonte de fer d'ornement. La fonderie, dont les ateliers sont installés au Val d'Osne en Haute Marne, a été créée au départ pour fabriquer du mobilier urbain et des fontes décoratives, cette entreprise devient très rapidement la plus importante production de fonte d'art en France sous le nom de « fonderie d'art du Val d'Osne ». Hippolyte André (1826-1891) reprend la tête de l'entreprise à la mort de son oncle, en plein essor elle absorbe plusieurs établissements concurrents dont Barbezat et Ducel. Issu d’une famille de sculpteur : son père Jean-Baptiste Moreau, ainsi que ses frères Hippolyte et Auguste le sont également, Mathurin Moreau était âgé de 21 ans lorsqu’il remporte en 1842 le second prix de Rome. Il commence à exposer au Salon en 1848 où il est remarqué. Lors de l’Exposition Universelle de 1855, il présente avec succès une grande fontaine qui séduit la ville de Bordeaux et le propulse au devant de la scène nationale des arts décoratifs. Tout au long de sa carrière il remporte de nombreux prix notamment aux Salons de 1859, 1861 et 1863, ainsi qu’aux Expositions Universelles de 1867, 1878 et 1889. Il collabore de manière régulière à partir de 1849 et ce pendant une trentaine d’année avec la fonderie du Val d’Osne pour laquelle il réalise des modèles remarquables de fontaine, candélabres, ou encore statues de jardin à l’instar des deux nôtres. Ses modèles ornent l’espace public à travers toute la France, ainsi qu’à Genève, Liverpool, ou encore au Pérou et à Buenos Aires. Figurant sur l’une des pages du catalogue de la fonderie, ce dernier nous apprend qu’il s’agit des représentations de la déesse des moissons, de l’agriculture et de la fertilité Cérès ainsi que la nymphe et divinité des fruits, Pomone. Toutes deux vêtues d’une tunique à l’antique qui tombe sur leurs corps, accentuant leur poitrine et marquant leur mouvement des jambes par un jeu de drapé. Cérès que l’on reconnaît à la gerbé de blé qu’elle offre de sa main droite, serait selon la mythologie, à l’origine des quatre saisons, cessant de rendre la terre fertile les quatre mois où sa fille Proserpine se devait de retourner aux côté de son mari Pluton dans son royaume des Enfers. Quant à Pomone, cette nymphe et divinité des fruits romaine, la mythologie nous apprend qu’elle n’aimait pas la nature sauvage et trouvait davantage de réconfort dans un jardin soigneusement entretenu ou un verger. L’artiste la représente ici offrant de sa main droite une grappe de raisin bien garni de grains, et retenant de l’autre un pan de sa robe débordant de fruits. L’artiste par la création de ces deux statues en fonte, célèbre ainsi la bonté et la beauté de la nature selon les canons néo-classiques de l’époque.

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DAUM, Émile ROBERT (attribué à), Lampe en fer forgé délicatement ajouré et verre, vers 1900

Cette lampe est le fruit d’une collaboration entre la maison Daum, pour le cache-ampoule en verre, et Émile Robert, pour le pied en fer forgé. Fondée à Nancy en 1878 par Jean Daum, la verrerie Daum fut rapidement reprise par ses fils, Auguste et Antonin. À partir de ce moment, des créations de plus en plus complexes d’un point de vue technique y furent conçues. Émile Robert (Mehun-sur-Yèvre, 1860-1924) s’initia rapidement à la ferronnerie d’art. À son arrivée à Paris en 1878, il intégra l’atelier du serrurier Alphonse Gabriel Moreau, où sont talent fut rapidement reconnu, avant de prendre son indépendance. Lors de l’Exposition Universelle de 1900, il participa à la décoration de la salle des Métaux du pavillon des arts décoratifs, et y installa même un atelier afin de présenter le métier de ferronnier aux visiteurs. En 1914, il fonda un atelier à Enghien-les-Bains pour y réaliser des travaux personnels ; la même année, il fut nommé chevalier de la Légion d’honneur. Cette lampe de table à piétement formant bras en fer forgé ajouré s’inspire du style gothique. Elle repose sur un pied circulaire ajouré qui conférant une grande stabilité. Quatre boules équidistantes surmontées d’autant de pieds en forme de pattes de lion stylisées se rejoignent pour ne former qu’un seul pied. Au-dessus, un léger renflement rappelle l’intérêt d’Émile Robert pour l’Art Nouveau et sa vitalité toute végétale. La partie supérieure, formant un bras, est décorée de délicats enroulements ajourés et s’achève sur une tête de volatile à laquelle est suspendue la lampe. Cette dernière, conique, en verre orangé nuancé de jaune, est maintenue en place à l’aide de quatre enroulements en fer forgé également inspirés des formes de l’Art Nouveau. Elle est signée : « Daum Nancy ☨ ».

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Trumeau moderne de style Napoléon III au palmet doré